Derivas Urbanas

Derivas Urbanas
“Caminar no nos lleva en principio a ninguna parte luego nos permite llegar a cualquier lugar.”

28 sept. 2011

Open Studios Matadero

Dentro de las actividades programadas por El Ranchito, para los artistas en residencia en Matadero, están los "Open Studios". Jornadas de puertas abiertas al público en el que puede visitar los diferentes espacios de trabajo de los artistas, recabar la información sobre las actividades que se desarrollan.
El equipo de NBDY realizó un ensayo público del Acto 1.
Adjunto la propuesta del proyecto y algunas fotografías:





NBDY
Guión y Dirección: Anto Rabzas
Intérpretes: Tania Garrido e Isabel Sánchez
Música: Emmanuel Nallin,
Audiovisual: Anto Rabzas

Breve descripción del proyecto:
Nobody es una propuesta artística de danza y videoarte de carácter híbrido y experimental pensada para un espacio escénico interactivo, que no encaja con facilidad en las estructuras expositivas disciplinares existentes. (No es teatro, no es danza, no es música, no es videoarte, no es Live Cinema, no es un recital poético) pero pretende unificar estas categorías en una sola pieza y este es el reto.
Interpretada por la Cranämour butoh dance theater company, intenta relacionar las acciones propiamente preformativas de campos como la danza, con los lenguajes audiovisuales, (cine, música, realidad virtual) y la poesía desde un punto de vista multidisciplinar.
Su estructura es la de una serie de Actos - performances cortas 4’ a 12’- que pueden funcionar independientemente pero que al ir unidas por una genética común, conforman la pieza escénica nobody de una duración aprox. de 80 min.

Sinopsis:
Un personaje llega a una sala de espera de alguna terminal de transportes indeterminada.
No recuerda su nombre, ni quién es, ni como ha llegado allí.
No sabe en que tiempo vive, si es que vive, y no es un fantasma.
Es Nadie. Nobody.
Otra mujer habita esta sala de espera.
No sabe si es un reflejo de sí misma, o es otro más de una serie de personajes, no sabe si sueños, recuerdos o realidad que aparecen y desaparecen. En algunos casos su alter ego es el que le habla. En otros aparecen episodios de su vida, su madre, la niñez, su padre…
La sucesión de escenas las van uniendo y acercando peligrosamente a la explicación última de porque se encuentra/n en este estado…

Antecedentes
Los miembros del grupo parten de la experiencia de 8 años trabajando en acciones de deriva urbana por la ciudad de Madrid en entornos siempre públicos (calles, plazas, edificios, iglesias, etc.)
A través de la work in progress, The waste city los rituales de danza butoh son reinterpretados con las claves de las artes visuales contemporáneas, acciones, performances y video arte.
Las acciones que nutren el proyecto asumen la estrategia adaptativa al lugar, ya sea en interiores (teatros, museos, galerías, naves industriales,...) o exteriores (espacios públicos, terminales de transporte, plazas, calles,...)
La misma estrategia adaptiva la aplicamos al tiempo. Su duración será flexible determinada por las circunstancias que concurran en cada ocasión, podría darse el caso de realizar una sola Acción de 8’, de 18’, o de 45’.
Los mismos criterios aplicaremos a las videoproyecciones, adaptando siempre la pieza al nivel de complejidad que permita el espacio y el presupuesto con que se interviene.
Esta metodología nos permite obtener experiencias performativas diferentes partiendo de un núcleo conceptual común, lo que nos facilita seguir investigando y desarrollando nuevas soluciones a los retos que cada tiempo y lugar nos pueda plantear.

Siete puntos de partida para nobody

Nobody asume el principio de hibridación transdisciplinar, relacionando las “las artes del hacer” de campos como la danza, las artes escénicas, los lenguajes plásticos y audiovisuales, (cine, música, arquitectura, realidad virtual) con el arte de la reflexión “el cómo hacer” de la poesía, la literatura, la filosofía y las ciencias.

Nobody asume que lo interesante de un relato es su origen, su principio, -como aparece- y su final -como desaparece- donde un acontecimiento nimio, da cuenta de una gran rueda de cambios y transformaciones, y no considera que el tema, y por tanto la función narrativa del lenguaje, sea el elemento principal de la obra.

Nobody asume que en lo incompleto hay lugar para el crecimiento, se insinúan comparaciones, que sugieren en lugar de mostrar, que se detienen antes de ser explícitas, que se las deja a la capacidad interpretativa del espectador.

Nobody asume que la belleza se nutre del cambio y la permanencia, de la semejanza y el contraste, que recoge siempre algo inexpresable y enigmático, aspirando a relacionarlo como en un todo, sin explicaciones.

Nobody asume que cualquier acto contemplativo consciente, mirar o escuchar con atención, es una forma de ejecución musical en la que uno implica su respiración, su movimiento perceptivo intelectual y su relación emocional con el momento.

Nobody asume que la coherencia siempre es una forma de ritmo. Es el eco de aquella vibración inicial por la que todavía temblamos y necesariamente requiere que el receptor desempeñe un papel novedosamente activo.

Nobody asume la realidad problemática que presenta el cuerpo físico con ese segundo cuerpo, que es el lenguaje. Los dos conforman no sólo la realidad social sino también nuestra realidad personal, nuestra identidad. Nobody es una ficción que hace preguntas sobre qué es una ficción.

Por qué Matadero
La naturaleza de los espacios de Matadero junto a su programación experimental nos supone un reto más para trabajar en esta pieza. La idea de socializar el trabajo de mostrar los procesos subyace en nuestro trabajo, pensamos que siempre hay un enriquecimiento mutuo por las sinergias que podemos encontrar con los proyectos de otros grupos de artistas.

Primer montaje NBDY stop motion

11 jul. 2011

Congreso Ciudades Creativas


Organizado por la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid y la Asociación Científica Icono14, el II Congreso Internacional de Ciudades Creativas aborda las acciones innovadoras que llevan a cabo agentes públicos y privados, organizaciones gubernamentales y no gubernamentales, empresas y ciudadanos nacionales e internacionales, artistas y colectivos; en fin, todos aquellos que de algún modo intervienen creativamente en la construcción de lo que llamamos ciudad.


http://www.ciudadescreativas.es/

10 jul. 2011

Found Footage Hoy



Usos, estilos y formatos contemporáneos del audiovisual de apropiación en España es el título de una investigación llevada a cabo por Gloria Vilches, entre 2008 y 2009 gracias a una ayuda del centro cultural Montehermoso, dentro de su proyecto “Arte e Investigación” (convocatoria 2008). En ella se estudian y clasifican un conjunto de piezas audiovisuales de apropiación realizadas en España o por cineastas experimentales y videoartistas españoles en la última década.

Mediante este blog http://www.foundfootagehoy.com/ Gloria Vilches pone a disposición de cualquier lector interesado e invita a que introduzcáis comentarios, sugerencias o referencias a piezas que no haya llegado a tratar. También podéis descargaros una versión editable.

6 jul. 2011

PSIKEBA

Interesante revista para psicoanálisis y estudios culturales PSIKEBA

2 jul. 2011

Retratos de el Fayum + Adrian Paci: sin futuro visible

Una exposición, que se enmarca en el Festival PHotoEspaña 2011, se pretende hacer visibles los problemas actuales de la población egipcia a través de la obra del artista contemporáneo Adrian Paci. El punto de partida son los conocidos retratos de Fayum, una de las manifestaciones artísticas más impresionantes del período romano de la historia de Egipto realizados durante los siglos I a III a.C.


"John Berger dedicó a estas obras (Los retratos de Fayum) uno de sus textos, más bellos, en el que las relacionaba con las migraciones de nuestra época. La muestra busca rendirle homenaje y reúne 13 retratos que se relacionan indirecta y sutilmente con el vídeo "Centro di Permanenza temporanea", de Adrian Paci. En éste el tiempo parece detenerse, mientras sus protagonistas -posíbles emigrantes que buscan partir pero no se mueven, en espera de un aviónausente, sus rostros de umbral en una frontera congelada - se sienten tan próximos a los muertos - vivos de Fayum. Caras en espera, de pasaporte, en tránsito a una nueva realidad." (Texto del folleto de la exposición)


"...unir dos viajes serenos, el de los moribundos y el de los despojados de derechos. Dos mundos a los que damos la espalda como si no nos incumbieran."


"El comisario de la exposición, Gerardo Mosquera, dice que se trata de las primeras pequeñas “fotos de carnet” y, añado, de un pasaporte al otro mundo."

Al Fayum: la agonía de los “sin papeles”
Julián Sauquillo

Desde Lunes, 30 Mayo 2011 - 09:30
Hasta Domingo, 24 Julio 2011 - 15:00
Museo de arqueología

14 jun. 2011

Emily Richardson

BLOCK

16mm
12 minutes
2005

Day through night BLOCK is a portrait of a 1960’s London tower block, it’s interior and exterior spaces explored and revealed, patterns of activity building a rhythm and viewing experience not dissimilar from the daily observations of the security guard sat watching the flickering screens with their fixed viewpoints and missing pieces of action.

Block was made over a period of 10 month period in a tower block in south east London from 2004 –05. The film is a portrait of the place that came out of much time spent there.

The security guards office and the bank of CCTV monitors with their random editing patterns and missing pieces of action were used as a starting point in terms of the camera techniques and editing structures employed in the film. All seeing, but seeing nothing at the same time. Working with static camera the fixed shots are repeated and edited together in sequence in a similar way to the CCTV camera recordings that flick from one camera view to another, often disrupting the (visual) ‘narrative’.

The contrast between the exterior and interior of the building, the impersonal common spaces and the personal spaces of the interior of people’s flats gives shape to the portrait.

The soundtrack was built up from recordings made on location at the time of shooting and sounds gathered from various sources and was composed and mixed by Jonah Fox.




31 may. 2011

Erick Miraval y Su "Elogio a la Espalda"

“Sin lo irreal lo real es irreal”
Es una frase de Mark Amerika que me acecha al contemplar el audiovisual de "Elogio a la Espalda" de Erick Miraval, realizado por Jorge Troitiño. En su "Poéticas de la agitación digital" Mark refiriéndose a su propio trabajo escribe:
"Joyce nos recuerda que el del escritor es un trabajo en proceso pseudo-autobiográfico, que compone Exactamente Un Texto como parte de un continuo surgir de momentos que trazan el flujo de energía de toda la cultura material capturada en su lugar y tiempo local.

Pero, ¿qué es local en este espacio conectado de flujos distribuidos y cómo se supone que los escritores-(artistas) deben actuar en estos entornos trans-mediatizados?

Actuar: como en las representaciones. Como al generar retóricamente un estilo de momento narrativo substanciado, que se modela por sí mismo desde una forma de ver que uno, intuitivamente, reconoce como artístico o una parte de la historia de la estética, incluso y especialmente aquella parte de la historia de la estética que es decididamente antiestética en su práctica subversiva.

Es una Práctica de Forma de Vida subversiva.

El Artista Plug-In de hoy en día, escribiendo con imágenes, sonidos, texto, código y actuaciones en vivo, atrapa el ruido digital que impregna nuestra cultura material y lo filtra a través de una Práctica de Forma de Vida meta-mediático que se convierte en la imagen registrada del artista.

Quizás aquellos de nosotros que todavía nos llamamos escritores-(artistas), sin importar cómo actuamos o qué componemos, deberíamos vernos como artistas de la performance protésicamente mejorados. Grammatrones digitalmente equipados deambulando como nómadas por el desierto de lo real en búsqueda de lo irreal."


CORTO DOCUMENTAL SOBRE EL PROYECTO "ELOGIO A LA ESPALDA" DEL ARTISTA ERICK MIRAVAL.

Elogio a la Espalda. from Jorge troitiño on Vimeo.

GUION, REALIZACION Y EDICION: JORGE TROITIÑO
IDEA, PINTURA Y CONCEPTO: ERICK MIRAVAL
MUSICA: DAVID TORRICO

mark amerika
Autor de la trilogía de net.art: Grammatron, Phone:e:me y Filmtext. Creador de ‘Alt-X Online Network’, una de las primeras páginas de Internet de arte digital y literatura. Autor de novelas, entre las que destacan “The Kafka Chronicles” y “Sexual Blood”, y de los e-books “How to be an Internet artist” y “Cinescripture.1”. Ha publicado numerosos artículos en Leonardo, Telepolis y Rhizome.
Actualmente es profesor de arte digital en la Universidad de Colorado (EEUU) donde dirige el proyecto “Techne practice-based research initiative”.

23 may. 2011

Terra Nova: Sinfonia Antarctica. DJ Spooky




Anne Barlow en su artículo Silent Continent, hace referencia a la Antártida como ese lugar silencioso, inspirador paradójico de música contemporánea, reproduzco un fragmento de su art. publicado en http://www.arteeast.org/pages/artenews/Silence/490/ en diciembre de 2010:

“Para aquellos de nosotros que vivimos en mundos saturados de tecnología, tal vez sea lamentable que la omnipresencia de cine, video y otros medios de comunicación conlleve que en cualquier momento de aparente "silencio mental" sea breve. Condicionada a la experiencia y vastos paisajes dramáticos en el contexto del cine y otros medios de comunicación, la mente involuntariamente introduce una especie de banda sonora al experimentar estos entornos visuales. Fuera de esta reacción involuntaria, el llamado "continente silencioso" ha inspirado a músicos y artistas para crear conscientemente las respuestas que van desde el “ambient” a lo grandiosamente reverencial. Ralph Vaughan Williams, escribió la música para la película de 1949 Scott de la Antártida , más tarde organizó este material en la Sinfonía Antártica que se estrenó en 1953 y fue, justamente, su séptima sinfonía. Antarctica fue el título de la música de Vangelis, para la película de Koreyoshi Kurahara del mismo nombre, realizada en 1983 , más cercana a la música “ambient” en un intento de sugerir lo sublime.

Hasta cierto punto, estas composiciones, ecos de diferentes percepciones de la Antártida, informan del momento en que se hicieron, desde el heroico y dramático, romántico sublime sereno, a las piezas sonoras contemporáneas que se comunican más con atributos físicos y emocionales. Obras de compositores y artistas recientes poseen más lecturas a veces disonantes, buscando más allá de las referencias a la naturaleza misma a la posición más amplia que la Antártida ocupa en la imaginación, o los debates en torno al medio ambiente, y representaciones de la raza (o no) en las primeras exploraciones . Pierre Huyghe A Journey That Wasn't [4] se basa en la visita a lo largo de un mes del artista, supuestamente para encontrar un blanco difícil de alcanzar en un animal desconocido Isla y que surgió sólo como resultado del calentamiento global. La presentación para orquesta de Huyghe en el Central Park, Nueva York en 2005 no tenía la intención de simular la experiencia real de estar en la Antártida. Por el contrario, la notación de Joshua Cody se basó en datos sólidos derivados de la topografía de la isla, la presentación de una nueva interpretación del sonido del lugar. Poco después, Paul D. Miller / Dj Spooky realizó un "retrato acústico" con su obra Terra Nova: Sinfonia la Antarctica [5], evocada por medio de imágenes históricas y de su observación directa, tratando la Antártida como un lugar que no es nada todavía, intocado. Su composición, elaborada a partir de las cualidades acústicas de hielo, es de varias capas, dinámica y cambiante, lo que sugiere el impacto del cambio climático en este vasto continente y, en consecuencia, el conjunto global de las fuerzas económicas y geopolíticas que han contribuido a, y que afectan a el futuro de, la condición de la Antártida.”

[4] Pierre Huyghe's Journey That Wasn't, organizada por el Fondo de Arte Público en colaboración con el Museo Whitney de Arte Americano, y se presentó en Wollman Rink, Central Park, el 14 de octubre de 2005. Curiosamente, la duración de esta actuación fue determinada por la necesidad de "escuchar" la isla (Fuente: comunicado de prensa, Public Art Fund)

[5] Terra Nova: Sinfonia Antarctica, concebida, compuesta e interpretada por DJ Spooky That Kid "Subliminal.
Terra Nova: Sinfonia Antarctica

9 may. 2011

Tensegridad

Valen Gómez Jáuregui http://www.tensegridad.es/ ha impartido una conferencia y un taller titulado: "Tensegridad. Estructuras tensegríticas en el arte y el diseño" en la Facultad de BBAA invitado por la profesora María Cuevas.
La estructuras tensegríticas tienen gran interés para las escenografías portátiles que estamos pensando para nuestras acciones.

Cuelgo algunas referencias que me ha indicado de Yosuke Oshigome muy sugerentes, para seguir investigando:

Artwork by Yosuke Ushigome, 2008.
Exhibited at Ars Electrnica Center 2009


An interactive art by Yosuke Ushigome and Ryuma Niiyama, 2009.
This is an "archetype" for Biotic Interactive Architecture.
www.cyber.t.u-tokyo.ac.jp/~ushi

2 may. 2011

Extra-Territoriality in the Middle East - Open Anthology

http://www.arteeast.org/pages/artenews/extra-territoriality/

Reconstruction of Nahr el-Bared, ray smith / a-films

Extraterritorialidad en el Oriente Medio - Antología abierta
Ursula Biemann

Durante mucho tiempo hemos pensado en la extraterritorialidad como un espacio desasignado que se encuentra fuera de los límites territoriales, sufriendo la suspensión de la jurisdicción y los beneficios del territorio nacional. Embajadas, los campos de refugiados, zonas de libre comercio son unos pocos casos. En los últimos años, el número de géneros y de los espacios extraterritoriales han aumentado, diversificado y consolidado en una configuración densa de excepción socavando la noción de territorio. Lo que esta edición trimestral de ArteEast saca a la luz es el intento de confinar personas en un espacio limitado, incitando el deseo mayor de conectar a través de distancias y activar nuevas formas de comunicación trans-locales. Un territorio ya no es (sólo) una forma, sino también un complejo sistema de relaciones y redes estructurales a gran escala. Desde ciertas prácticas artísticas y académicas se analizan e intervienen en estas temáticas impugnando sus regímenes de representación. La propuesta de Ursula Biemann está concebida como una antología de composición abierta, que puede crecer con el tiempo.

Con la colaboración de Francesca Recchia, Wachtmeister Anna, Shekhani Azad, Maleki Ehsan, Turquía Ziad, Wang Lee, Oroub El Abed, Rana El Nemr, Myriam Abdelaziz, Fawaz Mona, Ghandour Marwan, Sari Hanafi, Ismael jeque Hassan, Saba Innab, un de película, Ursula Biemann, Beshara Doumani , Sandi Hilal, Alessandro Petti, Eyal Weizman (Descolonizar Arquitectura), Saloojee Ozayr, Eagen Molly, Yasmina Eid-Sabbagh, y Rasha Salti.

Bio: Ursula Biemann estudió arte y la teoría cultural de la Escuela de Artes Visuales y el Whitney Independent Study Program en Nueva York. Como ensayista de vídeo, teórica y curador, ha producido un considerable cuerpo de trabajo sobre migración, movilidad, tecnología y género. Recientes proyectos de investigación incluyen el arte "del Mar Negro de archivos" en la geografía del petróleo del Mar Caspio (2005) en Kunstwerke Berlín y la Bienal de Estambul, y la antología de vídeo "Sahara Chronicle" 2006-2009. Sus videos galardonados son exhibidos a nivel internacional. Ha publicado numerosos libros "La geografía y la política de movilidad" (2003) y una monografía "Misión Informes: Práctica artística en el campo" (2008) Editores Cornerhouse. Biemann tiene un título honorario de la Universidad sueca. Es investigadora del Instituto de Teoría Crítica en la Universidad de las Artes de Zurich y dicta seminarios y talleres a nivel internacional.
Correo electrónico: ursula@geobodies.org
Página web: http://www.geobodies.org

26 abr. 2011

The waste city 3.0 Performance "Las Horas" trailer




Anto Rabzas, Tania Garrido y Nazaret Laso, co-directoras artísticas de Cranämour, siguen trabajando desde la pieza El punto ciego/The Waste City, presentada en la Fundación COAM en 2006 en sucesivas piezas audiovisuales de danza Butoh y performances en espacios urbanos. Ganan el premio INJUVE 2008 en la categoría de propuestas escénicas con Pájaros, un aleteo en el vacío (2007)
La pieza “Las Horas” fue seleccionada y presentada en la VI muestra de arte sonoro e Interactivo INSONORA 2010.
"Las Horas" constituye un trabajo para un site specific en un edificio abandonado de la antigua Tabacalera en Madrid y ahora reconvertido en un centro de propuestas culturales experimentales.
Tiene una duración de 24 min. en alusión a las 24 horas del día. Las intérpretes realizan el ciclo completo día noche -noche día, restringidas en el tiempo, es un ejercicio de contención con movimeientos muy lentos, y en el espacio, dos cuadrados de luz fluorescente de 1.20 x 1.20 cm. El reto para nosotros ha sido esta constricción ya que nuestros anteriores trabajos utilizaban el tiempo y el lugar en toda su extensión.
Estamos preparando el montaje audiovisual definitivo, este trailer es sólo una muestra "no técnica" de la pieza, subido sólo por necesidades de "citar" este trabajo para otros proyectos en los que estamos interesados.