Derivas Urbanas

Derivas Urbanas
“Caminar no nos lleva en principio a ninguna parte luego nos permite llegar a cualquier lugar.”

11 dic 2013

Respeta el PH de las lágrimas

A la Efigie de un capitán de los ejércitos de Cromwell

Respeta el pH 
de las lágrimas

(frase encontrada en un prospecto de una crema hidratante
de ojos)

El hacedor (de Borges. Remake - Agustín Fernández Mallo



Debo a la conjunción de un espejo y de una enciclopedia el descubrimiento de Uqbar.

Jorge Luis Borges
Jim Goldberg
Photo Essays
Jim Goldberg, Ukraine, 2006
Jim Goldberg, Ukraine, 2007


 UKRAINE. "UKRAINE. 2007. Trafficked woman. (translation says) ""Tanya. In 2006 I read an advertisement in the newspaper that said 'Waitress needed in Germany.' I went to the agency and applied, they lent me 2000 Euros for the papers and a bus ticket to (Hanover) Germany. When I arrived they took my papers and bought me. I was taken to an apartment and locked in a room with bars on the windows. I was ordered to give sex. I had 8-12 'clients' every day. I had to have sex in 'sick' ways. Some men would hurt me, smash my head against the wall, kicked, severely beaten..I couldn’t talk to anyone. One meal a day, 2-4 hours for sleeping. One day the police came and I was deported home- broken and scarred. I have nightmares every night but I’ve told no one my story, not even my husband. I feel lucky to be alive- most girls like me don’t live to tell the story."

Jim Goldberg Bangladesh. Dhaka. 2007. Man at a recruit ment center.


Jim Goldberg Coming and Going. USA. San Francisco. 1998. Photogram with drawing.


Jim Goldberg USA. San Francisco. 1998. Photogram with drawing. From the series "Coming and Going."



Jim Goldberg, USA. Cambridge, Mass. 1985. Nursing home.


Jim Goldberg, USA. Hollywood, California. 1991


MIKE MANDEL y LARRY SULLIVAN
Adaptado de introducción Sandra Phillips para pruebas , edición 2004



 En 1974, Mike Mandel y Larry Sultan, produjeron su primer libro en colaboración, How To Read Music In One Evening.
Esta compuesto por una serie de dibujos e ilustraciones fotográficas de anuncios baratos o manuales de instrucción,  del tipo que se puede encontrar en la parte posterior de los cómics, en el interior las cajas de fósforos o en las páginas del (ahora extinto) catálogo de Sunset House. Los anuncios de calentadores de cuello eléctricos, máquinas para pelar las mazorcas de maíz, cintas para reparar la manguera de agua, fueron recortados y reordenados, convirtiendo estas imágenes ingenuas y ordinarias en un libro metafórico y misterioso. Esos extraños cuadros grises que demostraban cómo funcionaba una cortadora mecánica de pelo de nariz, o cómo colocar las patatas en una púa de metal para cocinar de manera más eficiente, se parecían a los trabajos de collage de Jess, o Bruce Conner. En How To Read Music, sin embargo, las imágenes se organizan con el respeto a la autoridad de la imagen original, que, si bien recortada (ablación del texto) conserva su identidad, mientras que al mismo tiempo se ve alterada por la relación anómala que tiene con las otras imágenes. 









Evidence, 1977
Proyecto de colaboración con Larry Sultan.
Publicado originalmente por Clatworthy Colorvues, 1977



La relación del motivo de una fotografía con su significado parece relativamente clara. Si se trata de un paracaídas al viento pegado a un poste de telégrafo, podría parecer que representa las consecuencias de un accidente de paracaidismo. Los requisitos necesarios en esa breve descripción indican que incluso una interpretación obvia es casi inequívoca. Sin embargo, cuando una fotografía se coloca al lado de otra imagen con poca conexión aparente con la primera, los significados de ambas imágenes pueden prestarse a confusión. Esa es la primera premisa y fundamento de Evidence: que una fotografía a menudo desafía una lectura literal.

Evidence es el resultado de una investigación de dos años con más de dos millones de fotografías de archivo. El resultado es una narrativa fotográfica compuesta sólo de imágenes seleccionadas de archivos institucionales, departamentos gubernamentales,  militares, centros de investigación científica, organismos encargados de hacer cumplir la ley (Bechtel, TRW, Jet Propulsion Laboratories, Aeronutronic Ford, United Technologies y el Departamento de Policía de Los Angeles son algunos ejemplos). Las imágenes de estas fuentes funcionan como portadores de información, sus parámetros son la nitidez formal, la claridad y la objetividad. Estas imágenes fueron hechas originalmente como documentos, pero a través de su alterada disposición secuencial en el formato libro, llegan a representar una nueva narrativa.

Evidence fue uno de los primeros trabajos fotográficos conceptuales de la década de 1970 demostrando que el significado de una fotografía está condicionado por el contexto en el que se ve.






La imagen fotográfica no es representación, es ficción

Jean Baudrillard
This photograph is my proof, Duane Michals




Donde acaba la fotografía comienza la escritura. Es una relación simbiótica. Por eso el texto y la imagen, cuando se ven a la vez, dicen algo que ninguno de los dos elementos por separado podría decir.
Duane Michals


En el blog márgenes de la imagen podéis acceder a cuatro artículos relacionados con el problema del foto-relato, la narración y la fotografía, la escritura en off y las fotosecuencias ejemplificadas en la obra de Duane Michals, bastante interesante para abordar el tema.
Recomiendo ver también el artículo de Rosa Olivares
El fotógrafo al que le gustaba escribir historias, en la revista EXIT n: 0 y el de Livingstone, Marco A través del espejo


Copio esta entrevista a Duane Michals extraída del blog: Milestimulos



Duane Michals, Autorretrato (2000 A raíz de una exposición que realizó la galería Max Estrella (Madrid) en el marco de PhotoEspaña 2001, con algunos de los trabajos más importantes del fotógrafo norteamericano Duane Michals, la actualmente desaparecida Fotocultura.com publicó una entrevista con el artista. A continuación, la reproduzco con nuevas imágenes y nuevos enlaces.
Esgrimiendo la poética como arma de revolución y transformando lo cotidiano en una sucesión de instantes mágicos, este joven de 69 años manifiesta, cree y defiende que el universo está en nuestras manos.
Blanca del Moral: Existe una gran diferencia entre “artista”, que es aquel que sólo bebe de las fuentes de su arte, y “creador”, aquel absorbe de todas las fuentes y fundamentalmente trabaja sobre la idea de “Idea”, transformándose así en una especie de “mago”…
Duane Michals: No soy un creador. Lo que hago es permitir que la energía creativa se exprese por sí misma. Yo no invento los pensamientos, los pensamientos vienen a mí. No sé de dónde vienen: es parte de la mente, parte de la conciencia. Cuando se me ocurre algo, y reconozco que es una idea interesante o provocativa, respondo a ella y hago que ocurra. Pero no soy la fuente de las ideas. Creo que el mundo es una gran conciencia creativa. La mente es una gran conciencia creativa. Lo que hago es que, cuando las ideas se me ocurren, aprendo a distinguirlas confiando en mi intuición, y verdaderamente creo que una idea es un regalo. Soy parte del proceso creativo. No me considero la fuente del proceso creativo.

Cavafy cheats playing strip poker, Duane Michals (2004)
BdM: Y cuando la idea llega, conoces su puerta de salida o te dejas sorprender?
DM: Ahora estoy teniendo una idea, por ejemplo… Me han contratado para hacer una historia para una revista, es un anuncio de ropa. Se me ocurrió la idea de un hombre que, cada mañana, cuando se levanta, escribe en su diario qué es lo que le va a pasar durante el día. Y lo que escribe en su diario es lo que realmente ocurre. Me gustó la idea. Y estoy jugando con ella… Qué ocurriría si un día escribe algo en su maravilloso cuaderno que no ocurre?… Un día conoce a una mujer, así que escribe en su diario, “cuando hoy me vea, se enamorará de mí”. Pero eso no ocurre, y no entiende qué pasa porque siempre siempre ocurre lo que él escribe. Entonces se ve en un problema, se siente frustrado… y no lo he resuelto todavía. Una de las ideas es que él se disgusta tanto que quema su diario, y es entonces cuando ella se enamora de él. Esa es una idea, pero todavía estoy trabajando las diferentes posibilidades… Viene a ser una mera fuerza de algo más, porque cuando nos levantamos, creamos nuestras propias vidas todos los días… aunque no lo entendamos, lo hacemos… Y el proceso es que cuando algo que esperamos no ocurre, nos sentimos muy frustrados… y esa es la naturaleza de lo que son nuestras vidas: creamos nuestra realidad, lo sepamos o no. Y las elecciones que hacemos son nuestras oportunidades… Así que en eso estoy pensando justo ahora… En ese hombre escribiendo su diario al principio del día, y entonces, poco a poco, conociendo el objeto, la idea… Me gusta mucho, se llama “El extraño diario de Oscar Lemond”. Pero volviendo al proceso de las ideas… Es como un puzzle… No sé cómo llega, pero finalmente consigo resolverlo… Cuando pienso en una fotografía, sé exactamente lo que quiero. Para mí esa es la parte más dura, saber lo que quiero… El concepto es la parte más difícil, porque ya fotografiar es lo fácil…
BdM: Creo que también hay dos clases de artistas: uno que da la idea de “idea” y te regala libertad, y otro que es una especie de parásito que no ofrece nada…
DM: Sí, eso es posible… El arte de mucha gente es bastante simple. Hay gente a la que sólo le preocupa la celebridad, son pretenciosos y sólo se preocupan por crear objetos grandes… Pero no tratan con nada que sea verdaderamente importante. Para mí el arte es un asunto de intimidad, un momento de contacto… Lo que sea que te toque, creo que eso es arte. Pero si no te toca, entonces es decoración. En ese sentido, no tengo nada que ver con el mundo del arte en el gran sentido. Mis más importantes pensamientos son sobre la habilidad de expresar nuevas ideas. A los artistas les gusta enseñar siempre lo mismo, actúan con un mismo programa… Toman la misma fotografía una y otra vez… Es fotografía descriptiva, y todo el mundo puede reproducir a alguien… La idea ha de saltar sobre la descripción, y extraer ese algo que tiene dentro y mostrar lo que algo “es”… Si alguien está llorando, mostrar la naturaleza de su pena, expresar por qué está llorando. Si muestras a un hombre viejo, expresar lo que siente. Fotografiar a un hombre de raza negra es mostrar lo que es sentirse siempre el último, no tener ningún dinero, no ser capaz nunca de conseguir un buen trabajo…
BdM: Y el ambiente mágico de tu trabajo… es una búsqueda consciente?
DM: Nunca pienso acerca de ello. Me sale natural, es instintivo… Es en la naturaleza de lo que hago… y nunca pienso acerca de ello… No soy un intelectual. No me preocupan ese tipo de ideas… Las ideas sobre las que reflexiono son más íntimas, muy humanas, ideas sobre la muerte y el deseo… Los sentimientos más íntimos que tenemos, a los que llamo poesía, y cómo trasladarlo sobre una hoja de papel, cómo escribirlo con sentido, de modo que una persona lo entienda de un modo muy íntimo. Cuando Warhol hizo el retrato de Marilyn Monroe, eso no es… Todo el mundo ha fotografiado a una mujer. Yo escribí algo acerca de una mujer, y lo fotografié: es un hombre y una mujer, y dice, “Él piensa que ella es bonita y amable y inocente, y realmente ella es bonita y amable e inocente, pero ella fue inocente durante demasiado tiempo, y la inocencia se endureció en su interior como una piedra, y un día ella será destrozada por esa piedra… “. Así que todo el mundo puede fotografiar a una mujer joven, pero para mí era más importante mostrar cómo la inocencia puede ser destructiva también. Quiero decir, quizá es una forma de magia, porque todo lo que necesitas es que una persona en algún lugar lo entienda. Y cuanto más íntimo, más sorprendente es, más mágico. Conoces la secuencia llamada “El abuelo va al cielo”?… Para mí es pura magia e inocencia… Cuando el anciano verdaderamente murió y sus nietos vieron la secuencia de fotos, pensaron que todo estaba bien, porque él iría al cielo, como en las fotos… y aquello fue absolutamente maravilloso… que esos chiquillos pudieran ver a su abuelo muerto con toda tranquilidad porque sabían que iba a ir al cielo…

There are things here not seen in this photograph, Duane-Michals
BdM: … Sí, como en “La muerte viene a por la anciana”…
DM: …Sí, esa era mi abuela, ella murió después de que tomé esas fotografías… pero meses después! …Eso es magia. Tengo una mente muy infantil en el sentido de que pienso con frases muy fundamentales, como si continuara en la escuela… Lo reduzco todo al modo en el que un niño describe algo…
BdM: … Hay otra serie un tanto similar, “El espíritu abandona el cuerpo”…
DM: …Sí, eso es lo que creo que ocurre cuando mueres… Éste es mi traje de Duane, y lo abandonaré… Creo que cuando uno muere, uno sale caminando realmente… Quiero decir, cuando hice “La muerte llega a la anciana”, cuando ella se levanta y se desvanece, y es como si todos los átomos de su cuerpo fueran liberados como palomitas de maíz…
BdM: …como en “La condición humana”…
DM: …Sí, cuando el hombre en el metro se convierte en estrella. Creo que es absolutamente real. Lo que es mágico en todo esto es que desde situaciones ordinarias puedes hacer que algo extraordinario suceda. Fíjate en el pequeño reloj del metro, también se convierte en estrella… Es un pequeñísimo detalle.
BdM: Y es lo que vuelve a ocurrir en “El hombre del saco” y “Cosas necesarias para hacer magia” o “Cosas necesarias para escribir cuentos de hadas”… Es lo que me hace verte como un mago…
DM: Quizá… Acabo de hacer un libro para niños. Tiene 30 pequeñas historias, y cada fotografía tiene su propia historia y es un libro lleno de sorpresas. Lo hice hace 5 años. Lo publiqué yo mismo, es un pequeño libro lleno de cosas extraordinarias. Se llama “Upside down, inside out and backwards”…

Andy Warhol, Duane Michals (1970)
BdM: Otro hecho que me hace mirarte como a un demiurgo: los inesperados finales de algunas de tus sencuencias, como “El ángel caído” o “El hijo pródigo”…
DM: Lo interesante acerca de “El hijo pródigo” es que fue expuesto en la Universidad acerca de la historia del hijo pródigo a través del tiempo, y yo fui la única persona que cambió la historia, en el sentido de que en mi idea, cuando el hijo vuelve derrotado y desnudo y vulnerable, el padre protege al hijo, se quita sus propias ropas y cubre a su hijo, desnudándose a sí mismo y volviéndose vulnerable, y adoro esa idea porque creo que es lo que debemos hacer… Si hay alguien que tú amas y que está desnudo y herido le das tu ropa… adoro esa idea…
BdM: Un hombre sabio puede reconocerse, yo creo, por su ternura cercana a lo infantil y por su sentido del humor… Yo reconozco estas dos características en ti, …eres un hombre sabio?
DM: No! …Bien, pienso que un hombre sabio nunca reconocería que es un hombre sabio…!
BdM: La pregunta tenía truco…
DM: ( risas )
BdM: Cómo conviven en ti las ideas espirituales con las carnales…
DM: Bueno, para empezar, no creo en Dios. Creo que eso es tan ingenuo… Sabes?, vivimos en un pequeño grano de arena en el extremo de una enorme galaxia… Hay, quizá, cerca de 50 millones de estrellas y 50 millones de galaxias… Pensar que todo eso fue creado sólo para nosotros por alguien que se parece a nosotros es ridículo… Así que si reflexionas mucho sobre el concepto de Dios, ello te impide alcanzar un mayor concepto de la espiritualidad natural de ser… El concepto de hace 2000-3000 años te impide sentirlo directamente, has de dejarle marchar. Me siento muy cercano al budismo. Así que no creo en Dios… Y acerca del erotismo o la sexualidad, yo malinterpreté la sexualidad cuando era joven, era bastante ingenuo: pensaba que la sexualidad era un hábito, y que cuando cumpliese 27, lo olvidaría. La sexualidad es algo muy profundo. Somos criaturas sensuales y no debemos tener miedo acerca del deseo o la sensualidad. Creo que es saludable. Me siento más cercano a la sensualidad que a la sexualidad. Estoy más interesado en la naturaleza del deseo. Por eso llamé a mi libro así. Traté de exponer no meramente cuerpos… Están esas dos fotos, por ejemplo, “La parte más bella del cuerpo del hombre” y “La parte más bella del cuerpo de una mujer”. Muchos fotógrafos sólo enseñan el pecho de las mujeres sin saber por qué… Mi libro no es simplemente acerca del deseo, sino acerca de cómo uno encuentra el cuerpo bello. Y en esa belleza está la sensualidad. No es razonable no sentir deseo. Verás, yo soy homosexual, pero me disgustan muchos hombres gays, no me interesa ese negocio. Creo en la intimidad del afecto entre gente del mismo género. Y si se expresan así, fantástico!… pero no estoy interesado en llevar aros en los pezones y todo eso. Me parece ridículo.

The most beautiful part of man’s body, Duane Michals
BdM: En “El hombre desafortunado” creo que se prueba que la poética puede ser más revolucionaria que los simples desnudos de Mapplethorpe.
DM: Odio a Mapplethorpe. Hay gente que viene a mí a enseñarme sus fotografías de travestidos y les digo, “qué es lo que hiciste, no hiciste nada!”. Ellos sólo muestran al tipo en su vestido y eso es descripción. Y les digo, “queréis hacer algo realmente difícil?… Id al apartamento de ese mismo hombre a las 4 de la tarde, cuando no lleva su maquillaje y está sentado ahí, mirando su cigarro y bebiendo cerveza, y hace dos semanas que fue golpeado en la calle por 5 desconocidos, sus padres no quieren que vuelva a casa, no puede conseguir un buen trabajo, nadie le quiere y encima cree que tiene sida… Fotografía eso y entonces tendremos algo… Pero, por favor, no me enseñes “playmates” de Mapplethorpe.” Es un insulto. Eso es trivializar. Mapplethorpe sólo describe homosexualidad, no hay afecto en las fotografías…
BdM: También dedicas constantes homenajes a René Magritte. ¿Qué es lo que te aportó?
DM: Cuando lo vi por primera vez a principios de los 60, no había libros de él y su trabajo no era nada conocido. Pero cada vez que me encontraba con sus pinturas, me despertaba, me provocaban contradicciones porque pintaba de modo realista y representaba ideas y contradicciones. Así que yo empecé a pensar que podía representar ideas. Pero yo tenía otro problema, y es que él como pintor gozaba de una gran libertad… él podía pintar un armario con el camisón de una mujer en el que podías ver sus pechos en él, lo cuál no podía ser realizado por un fotógrafo. Pero podía hacer otras ideas. Así que Magritte fue muy liberador para mí. Abandoné los libros de fotografía, ya que cuando yo empecé, no podía escribir en las fotos, no podía representar ideas. Así que me liberé, Magritte me liberó: si podía hacerlo, podía hacerlo… y no tengo que preocuparme más. Todo está en mi mente, todo está en tu mente, el universo está en tus manos.

Paradise regained, Duane Michals (1968)
BdM: ¿Qué misterio no ha sido fotografiado aún por ti?
DM: De Chirico dijo, “qué más hay para el contemplar sino el enigma?.” Si eres un fotógrafo al que le va bien fotografiando adolescentes y las fotografías una y otra vez, no hay posibilidad… Pero en mi camino, donde todo es posible, no hay límite para lo que pienso. Según voy envejeciendo, me siento más y más libre, es fantástico. Y eso es porque creo que todo es posible. Cuando eres joven, cuando una persona tiene 21, todo es posible, pero nunca has sido derrotado, no has tenido realmente ninguna experiencia de vida. Pero lo que es aún más maravilloso es tener 69 años y todavía creer que todo es posible. Todo lo que viene a mi mente, lo respondo. Estoy trabajando más que nunca, es excitante. He escrito al menos 25 preguntas, he escrito qué es la nada, qué es la vida, qué es la muerte, qué es Dios, qué es el universo, qué es la naturaleza, qué es el deseo, qué hace que el arte sea arte, qué es el lenguaje, qué es el humor, qué es el sueño, qué es la memoria… todo, en 25 preguntas. La que abre el trabajo es una llamada “Yo en los bosques”, y en ella se ve a un hombre mayor que está dando la mano a un hombre joven, y el hombre joven soy yo cuando era joven, pero él no sabe que el viejo soy él mayor. Todo está escrito bajo la fotografía, y dice más o menos: “Él preguntó si sabía lo que la vida le reservaba, y yo le dije que la vida es una gran pregunta, y que como todas las preguntas, no puede ser respondida hasta que no es preguntada.” Y él pregunta preguntas que yo no soy capaz de responder porque es demasiado joven y no imagina lo que es ser viejo…
BdM: La honestidad y la verdad de tu trabajo te mantendrá vivo durante la eternidad, como en los cuentos de hadas…
DM: ( Risas ) …Creo que cuando estás muerto, ya no importa nada. El gran gozo es mientras estás haciendo. Para mí el gran momento de placer es cuando una idea se me ocurre, es un instante de epifanía, ese es el gran momento. Y cuando realizo esa idea, es maravilloso, pero no mejor que cuando la idea viene. ¿Quién sabe de dónde vienen las ideas?

Alice mirror, Duane Michals
The Rings of Saturn: Slideshow: Places: Design Observer

2 dic 2013

James Lingwood + Maggie Gilchrist_El Entropólogo

Reblogeo esta entrada James Lingwood + Maggie Gilchrist_El Entropólogo en la que se expone la hipótesis de el Entropólogo para entender el pensamiento y obra de Robert Smithson publicada en "Máquinas de fuego"





20 nov 2013

Rabih Mroué, Image(s), mon amour

Apunte para expo muy interesante: El artista libanés Rabih Mroué se adentra en el contexto social y político de la "primavera árabe" para reflexionar sobre la capacidad de la imagen de crear,distorsionar e interrumpir narrativas, y con ello, posibilidades de acción.
El CA2M presenta la primera exposición individual en España del artista libanés Rabih Mroué (1967). Director, autor teatral, performer, ensayista y artista visual, su trabajo reflexiona siempre sobre los usos de las imágenes en (y contra) las narrativas oficiales: desde la realidad geopolítica del Líbano hasta la producción masiva de imágenes en la revolución Siria. Mroué colecciona documentos que le inquietan y le afectan. Como ha dicho en numerosas ocasiones, parte siempre del “no saber” (que encierran esos videos, fotos, recortes de periódicos, pero también relatos de testigos) para pasar inmediatamente –con la “intuición como método”- a una fase inquisitiva, un proceso investigador que comparte con su audiencia. A través de experiencias concretas que marcaron su biografía (especialmente la guerra (1975-1990) y la posguerra civil libanesa, junto a las ocupaciones por parte de Israel), los trabajos que lleva a cabo Rabih Mroué con su archivo personal suscitan preguntas que, entre nuestras propias vivencias y los relatos de los media, nos atañen a todas, a todos; asuntos que tienen que ver con la verdad, la ficción, la memoria, el olvido, la desaparición y los mecanismos que rigen las trampas de la representación o que, tal como sucede hoy, instauran nuevas y poderosas relaciones entre esas imágenes y nuestros cuerpos. Su presencia en Historias que no se han escrito, XVIII Jornadas de Estudio de la Imagen celebradas en el CA2M en Junio de 2011, fue el detonante de esta exposición que ahora se presenta: Image(s), mon amour. En Marzo de 2011, Rabih Mroué decide cambiar el título de su exposición individual en el INIVA de Londres, “I, the Undersigned”, por “ I, the Undersigned The People are demanding”. En las plazas de Túnez, Egipto, Yemen, Libia, Baharain, Jordania, Oman, y Siria estallaba por entonces la primavera árabe; también los ciudadanos de Atenas, Londres o Madrid, comenzaban a ocupar las calles. El “yo” se retiraba y daba paso al “nosotros”; el verbo de la frase de Londres –“are”- mostraba la importancia de que el pueblo no fuera ya una entidad compacta y singular, como en parte de los grandes relatos del siglo XX. El nosotros que reclama el título –“are”- habla de gente junta, individuos y masa a la vez que, por decirlo en palabras del 15M, grita a los poderes políticos y económicos que (ya) no les representan. Problematizar (con la imagen) la relación entre “I” y “We”, masa e individuo, es una constante que ha recorrido toda la producción artística de Rabih Mroué. En las revoluciones de las plazas hemos visto imágenes y cuerpos directamente implicados. Por eso, el trabajo de Rabih Mroué resulta en estos momentos tan sugerente. Más allá de las funciones de detournement y remontaje, veremos que los videos e instalaciones que presenta ahora en el CA2M en la exposición Image(s) mon amour, son deudores de sus discursos performativos. En el ultimo trabajo acerca de la revolución en Siria, Mroué está especialmente interesado en lo que las imágenes “hacen” más que en su significado. Los problemas en torno a la representación dejan paso a la acción. Las imágenes no registran miméticamente los hechos, ni siquiera están al servicio del binomio experiencia/representación, sino que testimonian, circulan, engañan, impactan, emocionan o convencen: en una palabra “actúan”.

12 nov 2013

Mariano Zuzunaga

A propósito del microproyecto el inmueble algunos equipos trabajaron en torno al patio comunitario, esto me llevó a recordar el trabajo en la ciudad del fotógrafo Zuzunaga, os dejo el link a su página:
no os dejara indiferentes


22 oct 2013

Sean Mackaoui

Rosario Crego ha comisariado una interesante exposición de Sean Mackaoui en el CBA.
Joan Brossa, Diego Lara, Chema Madoz, etc. andan por ahí detrás...

Conde de Montecristo de Italo Calvino

Os recuerdo que en la carpeta Proyectos de dropbox tenéis el texto de Calvino

Joan Jonas, Songdelay, 1973, Película de 16 mmm, 18 min. 35 sg.


Jakob Kolding

10 oct 2013

Problemas

Solucionando contingencia personal inesperada en la noche del lunes al martes pasado ...
El próximo lunes continuamos con el programa de clases establecido
Mis disculpas


7 oct 2013

Nunca más haré arte aburrido

John Baldessari (National City, California, 1931)
I Will Not Make Any More Boring Art (1971) donde aparece el mismo Baldessari escribiendo esta frase una y otra vez, a modo de castigo (Nunca más haré arte aburrido)
Hans Ulrich OBRIST | Publicado el 05/02/2010 |




"Hace poco me he encontrado una frase de David Foster Wallace: “El talento es como un lápiz automático, se enciende y se apaga, es algo que se usa”, de modo que el talento no es suficiente.



Enseñar arte
-Esto nos lleva a otra dimensión importante en su trayectoria, la de la enseñanza. A pesar de los muchos estudiantes de arte, hay actualmente pocos artistas. Para usted, ¿cómo funciona esta idea de enseñar arte?
-Mucha gente piensa que esa era mi vocación, pero yo lo hice para poder vivir. Creo que lo que hice fue corregir toda la enseñanza errónea que se me explicó. También pienso que se puede crear el ambiente adecuado para que el estudiante evolucione. Crear un proceso bidireccional donde ellos aprenden de tí y tú de ellos. A veces pienso que cuando enseño arte estoy creando, y al revés, cuando estoy creando hablo de lo que estoy enseñando. Ambos están muy conectados. Cuando creo arte es como si hubiese una clase de estudiantes imaginarios."







3 oct 2013

Ciudad ¿Qué?


Euromediterranean Urban Voids Ecology

  • EMUVE.jpg
Estrategias de recuperación de los espacios vacíos, inútiles o absurdos que abundan en muchas ciudades europeas de la costa mediterránea. 
Durante los últimos cincuenta años, muchas ciudades de la costa euromediterránea se han desarrollado como destinaciones turísticas principales. En muchos casos, la crisis actual está arruinando sus expectativas y llenando sus tejidos urbanos de espacios vacíos, inútiles y absurdos. La iniciativa «Euromediterranean Urban Voids Ecology» (EMUVE, según sus siglas en inglés) ha obtenido una Beca Inter-europea Marie Curie de investigación e innovación para explorar estrategias de recuperación de estos paisajes urbanos en recesión. Su responsable, Federico Wulff, explica el proyecto en esta presentación digital







http://elbloc.net/category/urbanismo/


20 may 2013

Dionisio González en Ivorypress Space: Le Corbusier: The Last Project.


Nota de prensa de Ivorypress:
De 30/05/2013 hasta 13/07/2013
El próximo 30 de mayo Dionisio González inaugurará su primera exposición en Ivorypress Space, bajo el título Le Corbusier: The Last Project. En esta muestra, el reconocido fotógrafo reflexiona sobre la utopía, la supervivencia y la destrucción a partir de veinte proyectos que el arquitecto Le Corbusier no llegó a realizar.
“Esta exposición pretende mostrar una labor de restitución de vestigios omitidos”, explica González. Es, por tanto, una labor de archivo “basada en procesar el objeto, para que el olvido no lo corrompa y se interprete en su escala y en su dimensión”. El artista ha seleccionado edificios que nunca llegaron a levantarse, como el Palacio del Gobernador en Chandigarh (India), la Villa Paul Prado en Buenos Aires (Argentina) o el Museo del Crecimiento Ilimitado (Argelia), para restituirlos y, a la vez, para destruirlos.
El fotógrafo hace explotar los proyectos frustrados del maestro de la arquitectura moderna siguiendo la idea del filósofo Heidegger: “todo proyecto no construido es una ruina”. La no ejecución se convierte, aquí “en una destrucción silenciosa y silenciada, en una explosión que, en este caso, implosiona”.
Con esta serie, que podrá verse en Ivorypress Space hasta el 13 de julio, el artista aborda también el concepto del espacio, “un lugar-ninguna parte que nos remite al propio estado de la utopía que, en sí misma, se significa como ningún lugar, ninguna parte”, señala González.
​La muestra también incluye varias obras de la serie Dauphin Island realizada recientemente por el artista e inspirada por la isla del mismo nombre, perteneciente al estado de Alabama (EE. UU.). “Mi interés por Dauphin Island procede del estudio de arquitecturas acuáticas y palafíticas que tienen su origen en el Neolítico”, explica González. Se trata de una isla en el Golfo de México que ha sufrido numerosas catástrofes naturales y para la que el artista ha imaginado “proyectos propositivos que configuran nuevas estructuras habitativas en los vacíos de percepción de aquellos espacios previamente devastados”.

18 may 2013

Emily Richardson

La obra visual de Emily Richardson es una magnífica muestra de cómo mediante el arte puede contraer el tiempo sin necesidad de la máquina de Wells.
La estructura de sus trabajos audiovisuales mantiene una tensión límite entre lo que vemos y lo que se oculta, siendo el término omitido, el punto ciego de nuestra forma de ver y comprender el mundo.
Las memorias perdidas, los restos de biografías, la luz y sus cambios imperceptibles, el paisaje, las ciudades, las arquitecturas olvidadas, constituyen materiales de trabajo con los que escribe relatos mudos, poemas visuales, reconstrucciones de imaginarios sutiles. 

Rising 5th. © Emily Richardson 2013






8 abr 2013

Dennis Oppenheim: Material Interchange

Una mirada a la siempre interesante mediateca del Reina Sofía, me revela esta entrevista a Dennis Oppenheim hecha poco antes de morir, sobre los Encuentros de Pamplona del 72.

Dennis Oppenheim: Material Interchange, 1970

Texto de introducción a la exposición en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía comisariada por Fernando Francés y Fernando Huici en 1997:
"Los Encuentros de Pamplona (26 junio - 3 julio, 1972) constituyeron el punto de inflexión en el devenir artístico nacional en los últimos años del franquismo, además de señalar el fin simbólico de la etapa de dominio de la pintura informalista y la abstracción, asumida y utilizada por la política cultural oficial. Los Encuentros surgieron como una iniciativa privada de apoyo a la creación musical contemporánea, patrocinada por la familia Huarte: la organización de un evento musical por parte del grupo Alea (Luis de Pablo y José Luis Alexanco), el proyecto enseguida adquiere dimensiones de un festival internacional en el que tienen cabida las nuevas manifestaciones artísticas, poéticas y cinematográficas. Además, se apuesta porque sean los propios artistas quienes lo ideen y diseñen.
De marcado carácter documental, esta exposición quiere reconocer a su lugar en la historia del arte español contemporáneo. Siguiendo la fórmula francesa del “arte en la calle”, la ciudad entera se transformó en gran escenario, activando los espacios públicos y en laboratorio de ideas, donde más de trescientos cincuenta artistas -coordinados por el profesor Ignacio Gómez de Liaño- presentaron sus propuestas fuera de los cánones y de las instituciones que regulan la creación, buscando involucrar al espectador y viandante. A este respecto, logran especial protagonismo las cúpulas neumáticas del arquitecto José Miguel de Prada Pool, como espacio simbólico de reunión y acción artística.
Los Encuentros ponen de manifiesto la existencia de una regenerada vanguardia nacional que mantiene estrechos vínculos y comparte intereses estéticos y estilísticos con las nuevas corrientes internacionales (Fluxus, Situacionismo, videoarte, Arte de acción y happening), lo cual se advierte en la respuesta y presencia de artistas, músicos e intelectuales como: John Cage, David Tudor, Steve Reich, Silvano Bussotti, la bailarina Laura Dean o Dennis Openheim. En todos los participantes prima una actitud experimental, que por ejemplo se hace patente en las presentaciones de música concreta y electroacústica. Asimismo, se da una voluntad de “mestizaje abierto a la abolición de fronteras entre campos creativos y tradiciones culturales”, en palabras de Fernando Huici, comisario de la exposición junto con Fernando Francés. Así -como recuerda Alexanco- no sólo se pretende “hacer convivir a los sentidos”, sino también “mezclar la vanguardia con lo tradicional, lo plástico con lo sonoro” favoreciendo lo multicultural. Ello se pone de manifiesto en: las danzas de Kathakali de Kerala; el trabajo del músico vietnamita Trân van Khê; los conciertos Zaj; la actuación de Diego el del Gastor, o la de los hermanos Arze con la autóctona txalaparta. Además, esta convivencia con lo heterogéneo toma cuerpo en la forma en la que la ciudad integra las distintas piezas de Isidoro Valcárcel Medina y el Espectador de Espectadores 1972, de Equipo Crónica."

Dennis Openheim Annual Rings - 1968
 Dennis and Erik Oppenheim, 1971

Dennis and Erik Oppenheim, 1971
1- A Feed-back Situation
"I originate movement which Erik translates and returns to me. What I get in return is my movement fed through his sensory system."
2- State Transfer Drawing Dennis to Erik Oppenheim
"As I run a marker along Erik's back he attempts to duplicate the movement on the wall. My activity stimulates a kinetic response from his sensory system. I am, therefore, drawing through him...Because Erik is my offspring and we share similar biological ingredients, his back (as surface) can be seen as an immature version of my own. In a sense, I make contact with a past state."
3- State Transfer Drawing Erik to Dennis Oppenheim
"As Erik runs a marker along my back I attempt to duplicate the movement on the wall. His activity stimulates a kinetic response from my sensory system. He is, therefore, drawing through me...Because Erik is my offspring and we share similar biological ingredients, my back (as surface) can be seen as an mature version of his own. In a sense, he contacts a future state."
from Dennis Oppenheim: Retrospective de l'oeuvre/works 1967-1977, Musee D'Art Contemporain, Montreal, 1978



Obituario por Jerry Saltz

I had glimpsed Dennis Oppenheim around the art world for decades. The artist, who died of liver cancer at age 72 on Jan. 22, 2011, was a beautiful bottle-blond -- cute and disheveled, like a rock star, even into his last decade. He’d be at openings, across rooms, hunkered down at bars with artists, always with women. I only met him once. I was in my early 30s and interviewed him in his Tribeca studio for a book I was working on. I was interested in how and what he assigned to art students, to help them to expand their work. I didn't understand a lot of what he said; he had a way of speaking in winding threads, less like an artist and more like a physicist-philosopher-metaphysician. Take these two points: "Make things that carry with them the residue of where they have been." And "Make a sculpture in the way that you speak, as a projection that dissipates."
But the wild, labyrinthical ways Oppenheim put things together, the way he allowed thought to unspool ever-outward in involuted configurations, was inspiring nonetheless. His ideas of artistic experimentation, theoretically driven art, the merging of sculpture and science, his absolute unwillingness to create a visual style, his esthetic and material dislocation -- all of it wowed me.
His Earthworks from the ‘60s and ‘70s were what first caught my attention -- like when he seeded a Dutch field according to the topographical configuration of the land; or created a "landslide" of minimal sculptures along Exit 52 of the Long Island Expressway; or cut a channel in the ice of the St. Johns River at the United States-Canadian border. In 1968, he somehow got a hold of and removed four tons of debris from the floor of the New York Stock Exchange and relocated it onto a New York roof. He called this "free-moving architecture."
Whatever Oppenheim's work meant, you immediately got that he was taking art into the world, and bringing the world into his art. He had gone rogue. In 1970, he set up two cinder-block walls beneath the Brooklyn Bridge then hung between them, becoming a bridge himself. And that perhaps best symbolized Oppenheim's work: He was a human bridge to thought structures that are out of reach yet familiar enough to be thrilling.
Around 1980 his work got a materially battier (though no less thrilling), when he began fabricating bizarre Rube Goldberg–like sculptures of spiral ramps leading nowhere, strange machines that looked like astrophysics generators, pretend factories with levers and moving parts that produced nothing but food for the imagination.
By the ‘90s, this great unruly speculative Conceptualist, this pioneering Body Artist, Earthwork artist, and early explorer of postmodern sculpture, had fallen out of step with the art world. His objects became larger, more unwieldy, precarious, dangerous, and not at all at home in art galleries. He made twisted brick chimneys, reindeer sculptures with fire coming out of their horns -- public art works I’ve never seen in places like Corvallis, Ore.; Charlotte, N.C.; and Beijing, China.
But even then, Oppenheim remained adamantly experimental, conceptually dense and visually experimental. He always maintained a stringently personal and highly resolved theoretical position. I loved the way he made discoveries, shared them, then moved on. This could also be frustrating and visually disconcerting and may explain why he ended up mainly making public sculpture. His later gallery shows were a Mardi Gras of noise, fire, moving objects, and mayhem -- crazy and smart, but all over the place. Still, even surrounded by peers like Robert Smithson, Walter De Maria and Lawrence Weiner, Dennis Oppenheim was an artistic live wire and a Geiger counter of postmodern possibility.

JERRY SALTZ is art critic for New York magazine, where this essay first appeared. He can be reached at jerry_saltz@nymag.com.


Trust Rating
82%
artnet.com
CloseClose







12 feb 2013

Joseph K y la cartografías del habitar

Proyectos 2CT.
El arte es un deporte de combate
(La sociología es un deporte de combate, Pierre Bourdieu)

Como afirma Pierre Bourdieu, "el papel de la arquitectura no se discute, se da por sentado" el como afecta la confuguración del espacio ciudadano a los comportamientos de sus habitantes no se cuestiona y esta aparente invisibilidad crítica es lo que la dota de un poder tremendamente eficaz "los efectos ideológicos de mayor éxito son aquellos que carecen de palabras y no demandan más que un silencio cómplice" escribe Bourdieu.
http://pierre-bourdieu.blogspot.com.es/


Espacio social y prácticas sociales según Pierre Bourdieu.  
Bourdieu, Pierre. Raisons pratiques. París: Seuil, coll. Points, 1996, p. 21

proyectos talla S  
1. Joseph K  y la cartografías del habitar:



Para J.G. Ballard,  "La ciencia-ficción debe interesarse por el aquí y ahora, no por el lejano futuro sino por el presente, no por los alienígenas sino por lo que está ocurriendo en el mundo."
Walter Benjamin en "Imaginación y sociedad" describe la novela de Kafka como "Experiencia del hombre moderno en la gran ciudad (...) del ciudadano del estado moderno, que se sabe entregado a un inabarcable aparato burocrático, cuyas funciones dirigen instancias no demasiado precisas para los órganos que las cumplen, cuanto menos para los que están sujetos a ellas"

A partir de la obra de Franz Kazka: El Proceso y su adaptación al cine por Orson Welles en 1962, analizaremos algunos problemas actuales referidos a la ciudad y sus escalas, a los vacíos y a las aglomeraciones, a lo repetitivo y a lo único.




Como punto de partida trabajeremos con y en el anillo de circunvalación M40 de Madrid.

Caracterización de la ciudad contemporánea:

1: La ciudad dormitorio: módulos repetitivos, techos bajos, estancias pequeñas, etc
2 semanas
2. Las estructuras del poder, sedes de grandes corporaciones, edificios administrativos, etc
2 semanas
3. Calles / anillos de circunvalación: estaciones, aeropuertos, transbordadores e intercambiadores, etc
2 semanas
4. Arquitectura del consumo, o las nuevas cárceles: Grandes Centros  Comerciales. "Ya no estás encerrado, estás endeudado" "Compro, luego existo" Barbara Kruger
2 semanas
Metodologías:
Mapeos, documentación fotográfica y audiovisual, relatos y archivos, usos y tipologías del suelo y edificios, clases y tipos de habitantes, deconstrucción de los discursos del consumo, medios de representación de masas, etc.

Link a página Urban Drifts como os comenté tiene una buena estructura de proyecto.
Link a web de Juan Freire tiene textos y reflexiones interesantes sobre las problemáticas de la ciudad contemporánea









Para Cortázar, construir puentes significa conciliar los extremos, buscar con ansiedad un lugar propio, experimentar la nostalgia y la pérdida como nuevos rumbos para estimular el crecimiento personal.
"Porque un puente, aunque se tenga el deseo de tenderlo y toda obra sea un puente hacia y desde algo, no es verdaderamente puente mientras los hombres no lo crucen. Un puente es un hombre cruzando un puente."
Julio Cortázar, Libro de Manuel, p. 27.
"No me importa quién haga las leyes de un pueblo si yo puedo escribir sus baladas" decía Borges y eso me recuerda la película Seis grados de separación, cuando el protagonista Will Smith explica la importancia de la imaginación a sus anfiriones, marchantes de arte neoyorkinos, en base a una explicación implícita en el libro de J.D. Salinger "El guardián entre el centeno"
Conexiones, relaciones, procesos de reubicación de lo ya conocido:

Fragmento del diálogo de Will Smith:
-Un profesor suplente en Long Island fue despedido de su trabajo por pelearse con un alumno. Algunas semanas después, regresó al aula, disparó al estudiante, sin éxito, tomó como rehenes a toda la clase, y luego se disparó, esta vez con éxito. Este hecho me llamó la atención. La última frase en el Times, en la que un vecino describía al profesor como un buen chico, siempre estaba leyendo El Guardián entre el Centeno. Ese cretino de Chapman, el que asesinó a John Lennon, confesó que lo hizo porque quería llamar la atención del mundo hacia El Guardián entre el Centeno, y que la lectura de este libro sería su defensa. John Hinckley, el loco que disparó contra Ronald Reagan y su secretario de prensa, dijo que para conocer su defensa lo único necesario era leer El Guardián entre el Centeno. Le pedí prestada una copia a una amiga mía porque quería saber lo que había subrayado. Y leí este libro para descubrir por qué esta conmovedora, hermosa y sensible historia publicada en julio de 1951, se había convertido en este manifiesto de odio.
Empecé a leerla, y era exactamente tal como la recordaba. Todos los personajes son unos farsantes. Página dos: "Mi hermano está en Hollywood prostituyéndose". Página tres: "¡Qué patán tan pretencioso era su padre!". Página nueve: "La gente nunca se da cuenta de nada". Luego, en la página 23, se me pusieron los pelos de punta. ¿Recuerdan a Holden Caulfield, el arquetipo de joven sensible, con su gorra roja de cazador? ¿una gorra para la caza del ciervo? "Qué te lo has creído. Me la quité y la miré con un ojo cerrado, como si estuviera afinando la puntería. Es una gorra para cazar gente. Yo me la pongo para matar gente". Este libro prepara a la gente para vivir una vida como jamás hubieran soñado. Y en la página 99: "Preferiría tirar a un tío por la ventana, o cortarle la cabeza a hachazos, que pegarle un puñetazo en la mandíbula. Me revientan las peleas a puñetazos, lo que más me asusta es ver la cara del otro tío".

Me terminé el libro, y es una historia conmovedora; es cómica, en el sentido de que el protagonista desea hacer tanto y no puede hacer nada. Odia toda falsedad y solo miente y miente a los demás. Desea caer bien a todos, pero resulta aborrecible y completamente egocéntrico. En otras palabras, una imagen bastante acertada de un adolescente masculino.
Pero lo que me alarmó de su lectura, no es tanto el libro en sí mismo, sino el aura que lo envuelve. El argumento del libro es primordialmente la parálisis: el chico es incapaz de funcionar. Y al final, antes de que pueda huir y empezar una nueva vida, comienza a llover, y se derrumba. Bueno, no tiene nada de malo escribir sobre la parálisis emocional e intelectual. Puede que incluso, gracias a Chejov y a Samuel Beckett, el argumento sea bastante moderno. Las extraordinarias últimas líneas de Esperando a Godot: "Adelante. Sí, adelante". Indicación escénica: ninguno se mueve.
Pero el aura que desprende el libro de Salinger, que debiera ser leído por todos excepto por jóvenes adolescentes, se traduce en lo siguiente: refleja con la distorsión de un espejo de un parque de atracciones y amplifica como un altavoz distorsionado una de las grandes tragedias de nuestro tiempo: la muerte de la imaginación. Porque, ¿qué otra cosa es la parálisis?

La imaginación ha sido tan degradada que, en lugar de constituir pieza fundamental de nuestra existencia, ahora se considera como algo que está fuera de nosotros mismos. Como la ciencia ficción. O para emplearla en combinar las rodajas de mandarinas con las chuletas de cerdo. Por cierto, ¡qué receta tan imaginativa! Y La Guerra de las Galaxias: ¡Cuánta imaginación! Y Star Trek: ¡Qué derroche de imaginación! Y El Señor de los Anillos, con todos esos enanos: ¡Cuánta imaginación!

La imaginación ha pasado de ser nuestro lazo más personal e íntimo, y me estoy refiriendo a una especie de vínculo de nuestro ser interior con el mundo exterior que compartimos. ¿Qué es la esquizofrenia sino el aterrador estado en el cual lo que sucede aquí dentro no coincide con lo que ocurre ahí fuera? ¿Por qué la imaginación se ha convertido en un sinónimo de estilo? Yo creo que la imaginación es el pasaporte que nosotros creamos para ayudarnos a conducirnos dentro del mundo real. Creo que la imaginación es meramente otra manera de denominar aquello que nos pertenece más íntimamente. Jung dijo: "El mayor pecado es ser inconsciente". Nuestro Holden nos dice: lo que más me asusta es ver la cara del otro tipo, no sería tan duro si ambos tuviéramos los ojos vendados. La mayoría de las veces, las caras que confrontamos no son las de los otros, sino la de nosotros mismos. Y les aseguro que es el peor tipo de cobardía: tener tanto miedo de uno mismo, que te vendas los ojos en vez de enfrentarte contigo mismo. Enfrentarnos a nosotros mismos. Eso es lo difícil. La imaginación es ese regalo de Dios que nos hace soportable el hacer examen de uno mismo.
Seis grados de separación
 
En este blog hay unas entradas interesantes sobre Satnley Milgram:


Stanley Milgram I — Obediencia


Stanley Milgram II – Seis grados de separación

Stanley Milgram III – Desconocidos familiares y otros experimentos
 

Película El Proceso Orson Welles, 1962



En El Proceso se encuentra una pequeña obra maestra, Ante la Ley, un relato que Kafka publicó de manera independiente y que aparece en medio de este texto. Es un texto muy corto, como de una hoja, y es la llave que abre y cierra el relato. Es posiblemente su creación más hermética, Orson Welles inicia su película con esta historia:

Ante la ley
Franz Kafka
Ante la ley hay un guardián. Un campesino se presenta frente a este guardián, y solicita que le permita entrar en la Ley. Pero el guardián contesta que por ahora no puede dejarlo entrar. El hombre reflexiona y pregunta si más tarde lo dejarán entrar.

-Tal vez -dice el centinela- pero no por ahora.


La puerta que da a la Ley está abierta, como de costumbre; cuando el guardián se hace a un lado, el hombre se inclina para espiar. El guardián lo ve, se sonríe y le dice:


-Si tu deseo es tan grande haz la prueba de entrar a pesar de mi prohibición. Pero recuerda que soy poderoso. Y sólo soy el último de los guardianes. Entre salón y salón también hay guardianes, cada uno más poderoso que el otro. Ya el tercer guardián es tan terrible que no puedo mirarlo siquiera.


El campesino no había previsto estas dificultades; la Ley debería ser siempre accesible para todos, piensa, pero al fijarse en el guardián, con su abrigo de pieles, su nariz grande y aguileña, su barba negra de tártaro, rala y negra, decide que le conviene más esperar. El guardián le da un escabel y le permite sentarse a un costado de la puerta.


Allí espera días y años. Intenta infinitas veces entrar y fatiga al guardián con sus súplicas. Con frecuencia el guardián conversa brevemente con él, le hace preguntas sobre su país y sobre muchas otras cosas; pero son preguntas indiferentes, como las de los grandes señores, y, finalmente siempre le repite que no puede dejarlo entrar. El hombre, que se ha provisto de muchas cosas para el viaje, sacrifica todo, por valioso que sea, para sobornar al guardián. Este acepta todo, en efecto, pero le dice:


-Lo acepto para que no creas que has omitido ningún esfuerzo.


Durante esos largos años, el hombre observa casi continuamente al guardián: se olvida de los otros y le parece que éste es el único obstáculo que lo separa de la Ley. Maldice su mala suerte, durante los primeros años audazmente y en voz alta; más tarde, a medida que envejece, sólo murmura para sí. Retorna a la infancia, y como en su cuidadosa y larga contemplación del guardián ha llegado a conocer hasta las pulgas de su cuello de piel, también suplica a las pulgas que lo ayuden y convenzan al guardián. Finalmente, su vista se debilita, y ya no sabe si realmente hay menos luz, o si sólo lo engañan sus ojos. Pero en medio de la oscuridad distingue un resplandor, que surge inextinguible de la puerta de la Ley. Ya le queda poco tiempo de vida. Antes de morir, todas las experiencias de esos largos años se confunden en su mente en una sola pregunta, que hasta ahora no ha formulado. Hace señas al guardián para que se acerque, ya que el rigor de la muerte comienza a endurecer su cuerpo. El guardián se ve obligado a agacharse mucho para hablar con él, porque la disparidad de estaturas entre ambos ha aumentado bastante con el tiempo, para desmedro del campesino.


-¿Qué quieres saber ahora? -pregunta el guardián-. Eres insaciable.


-Todos se esfuerzan por llegar a la Ley -dice el hombre-; ¿cómo es posible entonces que durante tantos años nadie más que yo pretendiera entrar?


El guardián comprende que el hombre está por morir, y para que sus desfallecientes sentidos perciban sus palabras, le dice junto al oído con voz atronadora:


-Nadie podía pretenderlo porque esta entrada era solamente para ti. Ahora voy a cerrarla.



11 feb 2013

Visita a la Sala de Arte Joven


El lunes 18 de febrero quedamos a las 18:00 en la Sala de Arte Joven con Maite Angulo para ver la exposición:
hacer en lo cotidiano 01 / Sala de Arte Joven
Inauguramos la primera exposición colectiva del proyecto "hacer en lo cotidiano", seleccionado en la IV edición del concurso "Se busca comisario" promovido por la Comunidad de Madrid.

Artistas:

Julio Adán
Maite Angulo
María Castelló Solbes
Julio Falagán
Hisae Ikenaga
Luján Marcos
Begoña Olavarrieta G.
Leonor Serrano Rivas
Luis Vassallo
Velázquez Cabrero

Comisariado por Beatriz Alonso

Partiendo de la potencialidad de transformación de lo existente defendida por Michel de Certeau, "hacer en lo cotidiano" plantea una reflexión sobre la capacidad del arte hoy en día para cuestionar nuestros territorios más cercanos y generar otras posibilidades de habitarlos.

El proyecto se organiza en torno a dos exposiciones colectivas, siete talleres de creación, presentaciones y encuentros con los artistas, un programa de mediación diseñado por Pedagogías Invisibles, y conciertos coincidiendo con la clausura de cada exposición.

Los artistas participantes en esta primera exposición nos descubren los valores políticos, poéticos y estéticos que se esconden en el día a día. Desde lo común y la experiencia compartida, sus obras destacan lo insólito en lo cotidiano, mediante poesía, ironía y humor absurdo. Una manera de llamar la atención sobre aquello que sucede a diario para replantearnos cómo estar de otro modo en la vida cotidiana.