Derivas Urbanas

Derivas Urbanas
“Caminar no nos lleva en principio a ninguna parte luego nos permite llegar a cualquier lugar.”

4 mar 2016

El viaje inmóvil

En este último tramo de la asignatura de proyectos, alternamos las tutorías de proyecto individual con las salidas de las aulas, con el objetivo principal de relacionar los problemas teóricos con las prácticas artísticas contemporáneas. Desde la oferta expositiva disponible, organizamos las salidas en función de la temática, recabando siempre la presencia de los artistas. Pensamos que no hay nadie mejor que el propio autor, para establecer un discurso claro y honesto en torno a su propio trabajo, con la ventaja añadida de servir de modelo metodológico, es necesario un saber hacer y un pensar sobre lo hecho.  
Por otra parte vamos estableciendo un acercamiento normalizado a la galería, como lugar donde se produce el hecho artístico, y a los galeristas como agentes necesarios para su visualización y difusión.

En el primer cuatrimestre tratamos los problemas del espacio a través del texto de George Perec “Especies de Espacios”. Trabajamos escalarmente en formato de  micro-proyectos conceptos espaciales como la página, la cama, la habitación, el apartamento, el inmueble, la calle… a la ciudad.
Pero ¿Qué hay más allá de la ciudad? ¿Dónde acaba? ¿Qué sucede en esos espacios intermedios? Desde la civitas, lo urbano y el urbanita ¿Cómo se ve un bosque?
¿Tiene algún sentido trabajar en el paisaje sin la experiencia, sin el recorrido, sin el haber estado ahí?

Dice Martin Seel que el paisaje es un aparecer, que tiene la doble condición de ser permanente y de apariencia. Esto lo hace algo engañoso, pues en la medida en que se convierte en una percepción estética, en objeto estético, en su esencia es apariencia. Todo paisaje tiene dos dimensiones, la espacial y la temporal. La apariencia surge de la dimensión temporal. Por tanto la duración, la persistencia y el movimiento, son necesarios para que surja la aparición, el paisaje por tanto es un percibir demorado, es una visión lenta.  Para Cézanne, el arte debía transmitir la apariencia de todos sus cambios; si la naturaleza es siempre la misma, lo que se nos manifiesta nunca permanece.

Decía Deleuze que “el nómada hace el desierto” y Baudelaire acerca de Poe, “que atravesaba la vida como un Sáhara”. Iain Baxter introducía carteles en las cunetas de las carreteras “Está Vd. en medio de un paisaje” o en la obra titulada “Un paisaje en cuarto de milla” tres carteles  jalonaban la calzada, el primero “En breve entrará Vd. en un paisaje de ¼ de milla”,  en el centro, “Empiece a mirar” y al final “Ya no mire nada”
Las obras de Baxter nos introducen en las banderas de Tito Pérez Mora, que son, sino “carteles” que re-significan el paisaje, que lo transforman en objeto estético, que nos dan a ver algo que no existe, una apariencia surgida de una acción lenta y demorada. Decía Alan Roger que convenía diferenciar dos modalidades de la operación artística, dos maneras de intervenir sobre el objeto natural, de “artificar” la naturaleza. La primera es directa, consiste en inscribir el código artístico en la sustancia corporal in vivo o en el lugar in situ; la segunda indirecta in visu, por mediación de la mirada, se elaboran modelos autónomos pictóricos, escultóricos, fotográficos, etc. más económicos y más sofisticados. Tito Pérez Mora trabaja desde las dos modalidades el trabajo en el lugar in situ y la construcción de unos modelos gráficos y fotográficos que aluden a procesos y procedimientos más complejos como la diferencia entre desnudo-lugar como algo concreto,  y desnudez-paisaje, como una construcción siempre abstracta.

Julio Sarramián nos planteó el problema opuesto, el paisaje sin actores. Paul Virilio caracteriza el paisaje contemporáneo por ser un paisaje sin actores, sin vivencias y se refiere a Google Earth, como el ojo que todo lo ve, que hace accesible el mundo pero a la vez lo aplana y lo homogeiniza. ¿Qué son las pinturas planas de color artificial de Julio, sino un ejemplo de la visión de Virilio? Un espacio de “enlaces”, de “sitios” un espacio virtual en geografías virtuales, en el que un paisaje es un conjunto de enlaces que se constituyen en lienzo, no es una montaña, o un valle, es un “nudo” de comunicaciones electrónicas. No representan paisajes sino las formas generales de percepción contemporánea.

Intercambiamos la experiencia por la comunicación, el caminar por la ubicuidad total de internet y a esta nueva realidad, lo llamaremos “El viaje inmóvil”  y como nos gusta lo subimos al título de la entrada. Es un buen título pero surge de una idea que planteó Marc Augé en su Tiempo en Ruinas,  se refiere a que podremos gestionar la inmovilidad ¿pero seguiremos siendo viajeros? El homo comunicans transmite y recibe informaciones y no duda de lo que es. El viajero trata de existir, de formarse y nunca sabrá quién o qué es.

Bourriaud, en su texto Topocrítica, plantea que una geografía crítica comienza por ser una crítica de las fuentes visuales con las que se elabora. De dónde provienen las imágenes, cuál es su naturaleza, quién las lee y las interpreta. Bajo el concepto de arte topocrítico argumenta que hay manifestaciones artísticas que van más allá de la representación de un espacio humano evidente, que engloban más información, de datos estadísticos, de satélites, de GPs, que producen “otros viajes” y otras realidades.
Daniels y Cosgrove en su Introduction: Iconography  and Landscape, abundan en este aspecto: “Un paisaje es una imagen cultural, una forma visual de representar, estructurar o simbolizar los alrededores. Pueden representarse con diversos materiales y sobre muchas  superficies: en pintura sobre  lienzo, por escrito sobre papel, en tierra, piedra, agua y vegetación en el suelo. El paisaje de un parque es más palpable, pero no más real ni menos imaginario, que una pintura o un poema sobre un paisaje. De hecho, el significado de los paisajes verbales, visuales y construidos procede de una compleja historia entretejida.”

En estas tres últimas semanas, nos hemos acercado a dos estrategias de acercamiento al paisaje desde la visita a dos exposiciones actuales Geodesia de Julio Sarramián en Herrero de Tejada y 1/8 de Tito Pérez Mora en Twin Gallery.
Las dos artistas nos han hablado no solo de sus exposiciones, sino de todo el proceso anterior, los proyectos previos que han ido conformado paso a paso los resultados actuales, en la línea defendida por Augé: “El paisaje es el espacio que un hombre describe a otros hombres.”
Esperando que haya sido fructífera no tanto por lo mirada atenta y por la percepción consciente, allí en las galerías ante sus obras y con ellos, sino por la necesaria reflexión posterior y la posible articulación para con uno mismo,  y por qué no, en proyectos futuros, seguiremos caminando.

 Geodesia. Julio Sarramián. Herrero de Tejada. 
Encuentro con curso de proyectos Antonio Rabazas

  Geodesia. Julio Sarramián. Herrero de Tejada. 
Encuentro con curso de proyectos Antonio Rabazas

1/8. Tito Pérez Mora. Twin Gallery. 
Encuentro con curso de proyectos Antonio Rabazas



25 feb 2016

TITO PÉREZ MORA 1/8

Confirmamos visita a Twin Gallery el próximo Martes 1 de Marzo a las 18:00 h.


S/T. Acrílico sobre tela, 148x90. Tito Pérez Mora.2015 

En la línea de inmersión en las diferentes realidades de la práctica artística, saldremos del aula para visitar una exposición muy interesante de Tito Pérez Mora titulada 1/8.  
Con Julio Sarramián vimos en Herrero de Tejada, como un artista desde su estudio gracias a las nuevas tecnologías como Google Earth, podía "sentarse" en su butaca y acceder a pintar un paisaje remoto, al que muy pocos ojos han llegado a contemplar. 
Con Tito P. Mora nos encontramos con la estrategia contraria, la del artista viajero que se desplaza durante un tiempo y se aleja de sus rutinas para encontrar en "otro" lugar, la construcción de lo que ya sabe de aquí. 
 S/T. instalación: clavo de hierro cortado con texto grabado y papel de seda perforado 96x62x20 cm. Tito Pérez Mora.2015 
 S/T. fotografía gelatina de plata, 50x60. Tito Pérez Mora.2015 
S/T. Acrílico sobre tela, 148x90. Tito Pérez Mora.2015 

Doy las gracias desde aquí a Tito P. Mora por su disposición a hablarnos de su trabajo y a la galería, que abre exclusivamente para nosotros, pues cierra los martes.

21 feb 2016

El caminar de Irene Grau

Irene Grau es una artista que utiliza el acto de caminar como un dispositivo de comprensión del mundo.
Me interesa que os dejéis llevar por su trabajo que podéis visitar en su página web Irene Grau.com

Tiene proyectos de estéticas muy diferentes pero muy relacionadas:
Constelaciones o el recorrido a pie de la senda pireinaica que une el cabo de Creus con el cabo de Higer. 
Vistas de la instalación. Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid.

Lo que importaba estaba en la línea no en el extremo,  es el título de otra exposición en la  galería Ponce+Robles, frase sacada del libro de de Cesar Aira Un episodio en la vida del pintor viajero.
30-06/17-07-2015. Rojo, amarillo y verde. (3/3)

El Proyecto Color Field en el que emplea localizaciones de Google Maps buscando contrastes cromáticos entre 8 paneles pintados y los fondos del paisaje. 
Black. W 0º59’55” N 40º11’48” | Negro. W 0º59’55” N 40º11’48”

"Lo que hago es simplemente pintar, pero pintar –también– sin pintura, pintar con una cámara de fotos y las botas de montaña puestas. Salir de excursión: salir a buscar la pintura. Entrelazar ese camino con el paisaje como si fuesen fbras de una misma cuerda. Hacer de la fotografa testigo de un suceso y del mapa un historial pictórico, un instrumento para leer la pintura. Y pensar en todas aquellas cosas en las que se funde la pintura para ser, fnalmente, una “pintura viajera”. Pintar, como caminar, es un proceso de relación con el espacio." Irene Grau

12 feb 2016

Geodesia. Julio Sarramián. Galería Herrero de Tejada

El Próximo martes 16 de febrero quedamos emplazados en la Galería Herrero de Tejada a las 18:00 h. para hablar con Julio Sarramián de su trabajo Geodesia.

Geoforma nº 7 / 50×50 cm / Pintura sintética y óleo sobre DM / 2015
“El trabajo que he desarrollado en los últimos años gira en torno a la idea de paisaje y otros conceptos relacionados; cómo lo definimos, percibimos y catalogamos. Me he interesado por su representación desde distintos ámbitos del saber.
A través de la pintura, el dibujo, la fotografía y la instalación, he generado discursos que ponen de manifiesto la relación entre el hombre, la naturaleza y otros elementos culturales”.
Julio Sarramián
Geoforma nº 1 / 180×180 cm / Pintura sintética y óleo sobre DM / 2013
http://www.herrerodetejada.com/portfolio/geodesia/

19 ene 2016

Sobre algunas cuestiones tratadas

Dejo aquí algunas precisiones sobre referencias que surgieron en la clase de ayer: 
El libro que os recomendé de Ian Stewart, se titula "Cartas a una joven matemática" lo interesante del texto es por una lado la estructura epistolar, se puede leer de manera independiente cada carta, y por otro, el repaso que da a un periodo vital la formación de la joven Meg, desde los estudios de secundaria hasta que se convierte en una docente e investigadora.

Wu Guanzhong. Old Residence, 1997

Otras referencias a las que aludí sobre la necesidad de leer poesía:
Es muy interesante que os acerquéis a las Poéticas orientales, Poesía, Pintura, Arquitectura, Cine, Cerámica, Jardines, etc. hoy nos ceñiremos a la palabra.
Algo implícito en la estética oriental es que la inteligencia y la información, no son suficientes para alumbrar poesía, hace falta la experiencia lenta, el sabor de las cosas y la pátina del tiempo.
Convertir ese ver trivial y estereotipado, en una mirada propia y original. 
Aquí no se cierra el círculo, solo se comienza. 
Para poder expresar en cualquier medio esa propia mirada, para convertir en imágenes esa forma propia, se necesita un dominio técnico, mucha disciplina y una gran dosis de autocrítica. 
Así llegamos a ser competentes en el medio que hayamos elegido, nos ganamos la vida y quizás el respeto para con nosotros mismos. 
Pero… todavía quedaría un paso más para llegar a romper el molde de nuestro tiempo, nuestra mirada propia se transformaría en visión, se alejaría de nosotros, no nos tendría ya en cuenta, sería visionaria. 
Esto tiene lugar en momentos alterados de la conciencia producidos en el crisol del talento, la inspiración y el trabajo, mucho trabajo. 
Por probabilidad, se necesitan varias generaciones para que surja alguien que logre romper con el lastre de la tradición e impulsar su campo un paso más hacia el futuro.
No nos debemos desalentar, al contrario, el trabajo bien hecho convierte nuestro paso por aquí, en una vida plena, conformamos el humus necesario para que surjan las flores. Desde esta posición humilde, no perderemos el tiempo buscando éxitos y famas.  Dice Marta Carrasco en Cartas a jóvenes artistas: "Pero hay un punto que no se puede traspasar jamás: El día que te admiras a ti mismo, que haces las cosas exclusivamente para el aplauso, que dejas de ser humilde. En ese momento dejas de tener ningún interés." p.31 
Buscar la profundidad y la receptividad. El secreto para introducirse en el objeto y reordenar su apariencia, que decía Berger en Algunos pasos hacia una pequeña teoría de lo Visible, y cita a Shitao “Pintar es el resultado de la receptividad de la tinta; la tinta se abre al pincel; el pincel se abre a la mano; la mano se abre al corazón."

Algunos títulos de obras Poéticas que os sugiero:
La Montaña Vacía de Wang Wei,  (701-771)
40. Canción para acompañar a la primavera que parte

Día a día los hombres seguimos envejeciendo.
Año tras año es imposible retener la primavera.

El gozo mutuo reside en esta copa de vino.
Es inútil lamentar que se vuelen las flores. p.119

El bosque de Pinceles de Tu Fu,  (712-770)
Frase Trunca

El río azul resalta la blancura de las aves
En la montaña verde a punto de incendiarse las flores
Esta primavera pasará muy pronto,
¿Qué día de qué año regresaré? p. 211

Las veinticuatro categorías de la Poesía, de Si Kongtu,  (837-908)

No hay más que inclinarse y coger
aquello que los demás no han cogido
seguir la Vía siempre hacia delante
y de un solo trazo surgirá la primavera… p. 89

El Barco de Orquídeas. Poetisas de China. Una antología de Kenneth Rexroth y Ling Chung.
Chen Min,  LXXXIII Cita vespertina

No puedo levantar la mano
Para llamar a tu puerta
Por miedo a que el sonido no
Sea lo bastante suave… p.111

De poéticas cercanas la obra de  José Angel Valente, todo lo que podáis leer: Treinta y siete fragmentos, Fulgor, etc. o Elogio del calígrafo, ensayos sobre arte escritos por un poeta muy recomendable.

A usted le doy una flor,
si me permite,
un gato y un micrófono,
un destornillador totalmente en desuso
una ventana alegre.
Agítelos
Haga un poema… p.47

Vicente Luis Mora:  Nova
Rosa Cúbica
…el arte es una fe
hay una rosa cúbica en tu mente
la riegas con tu propio pensamiento
la perfección exacta
que nadie ha de robarte mientras creas p.58

o los textos siempre inteligentes y sorprendentes de un Físico que ha creado hasta un término nuevo para definir lo que hace Postpoesía llamado Agustín Fernández Mallo.  Tiene textos como Ya nadie se llamara como yo, (2012) una publicación que reúne toda su poesía, Trilogía proyecto Nocilla: Nocilla dream (2006), Nocilla experience (2008) y Nocilla lab (2009), Postpoesía. Un nuevo paradigma. (2009)y bastantes más como El hacedor (de Borges), Remake en el que realiza de nuevo el paseo de Robert Smithson por Passaic desde Google Earth, en su ordenador, una “psicoGooglegeografía”
Inversa es la lógica de quien descubre una tierra analógica pero real como la de un espejo. Pero si te fijas, la imagen del espejo posee una pátina que aunque visible la oscurece, como si algo de materia se perdiese en el trayecto, un residuo que si lo juntaras verías lo que pierde aquel que te mira; mejor dicho, quien en tu imagen desaparece; o, aún mejor, quien en ti ya ha desaparecido. p.48  En Carne de Pixel
…Así, en las artes comúnmente llamadas plásticas o visuales, no solo la tecnología ha irrumpido de una manera felizmente escandalosa para demostrar que el medio muta o subvierte el contenido de la obra de tal manera que más que nunca fondo y forma coinciden… sino que el espíritu, la poética científica es lo que nutre directamente a gran cantidad de obras. En Nocilla Lab

Termino la entrada con un pequeño fragmento de Ada Salas,  Alguien aquí, Notas acerca de la escritura poética.

El poeta no necesita reunir elementos relacionados entre sí para crear un conjunto; no hace rompecabezas, no va de lo diverso a lo uno, no puede detenerse en lo diverso. Un poema no es un ramo, un abanico, un conjunto de. En poesía, por muy largo que sea un texto, no caben la digresión, la perífrasis. Cuando uno escribe, debe mirar a un punto que, pese a ser difuso, es esencialmente definido y concreto. Quizás en otras disciplinas quepa el ligero desvío, el rodeo, no en la poesía. El poeta solo puede ser águila: otear desde lo lejos, la pieza, y lanzarse sobre ella con absoluta precisión.p. 64


…No hay poemas medios: se acierta o se yerra. En poesía, la aproximación es error.p.65

14 ene 2016

Bill Evans El hombre y el Pianista, conversaciones con su hermano Harry Evans.




Bill Evans El hombre y el Pianista, conversaciones con su hermano Harry Evans.

Bill Evans fue un gran pianista de jazz, un gran compositor educador y también un brillante pensador y crítico. Sus música y sus reflexiones  son una influencia fundamental para el contexto del jazz y de la música contemporánea en general. Este video es un magnífico ejemplo de su pensamiento, de su actitud ante la creación siendo perfectamente extrapolable a otras disciplinas creativas.

Evans considera fundamental dominar la práctica musical (la conexión dedos cerebro debe ser tan fluida que no haya que pensar en ella) a la par que la teoría para poder entender lo que se está haciendo y saber a donde dirigirse.

Para Evans el jazz no es un estilo, es un proceso , un proceso creativo y espontáneo en el que se hace un minuto de música en un minuto de tiempo
¿Qué es un dibujo?
El trabajo de ceración es por tanto un diálogo, en sentido absoluto, con los estados de ánimo del músico-artista y abunda en la sorpresa que obtiene cuando graba lo que ha tocado y se descubre así mismo,  en estructuras sonoras que conscientemente nunca hubiera pensado.
Habla de que toda obra debe tener frescura la cualidad de lo espontáneo y la improvisación, como si fluyera suavemente, como si no costará esfuerzo.

Evans comenta la actitud de muchos alumnos y profesionales que intentan acercarse a un resultado final, como si quisieran construir un edificio por haber visto su imagen y al no saber comienzan por la azotea, en vez de concentrarse en atacar poco a poco el problema desde el nivel más básico.  La estructura o forma sentida no puede ser impuesta por las modas o por los clichés imperantes.

Sobre el proceso creador Evans, afirma que  no se puede enfocar todo el problema de una manera vaga, se podría pensar que se ha alcanzado el objetivo y podría confundir. Siempre que alguien ha conseguido éxito en cualquier campo de la creación posee una perspectiva realista desde el comienzo, se da cuenta de que el problema es vasto y que ha de acometerlo por pasos, y disfrutar de ese proceso de aprendizaje sosegado.
Con perspectiva realista, se refiere a ver la estructura básica y trabajar por pasos con un material elemental, con honestidad, satisfacción, disfrute y claridad, esto permite ser analítico a cualquier nivel, revisar lo hecho,  y concentrarse en los logros.

No hay libertad sin una estructura de referencia, trabajar desde un nivel externo hacia adentro, paso a paso, entender el problema a un nivel muy profundo hasta que los procesos técnicos se vuelvan subconscientes, lo que permite pasar del modelo de referencia a otro nivel superior donde ya si es posible crear otra forma con sentido.

Sobre si se puede enseñar el jazz o a crear extrapolando a nuestro ámbito, observa como muchos estudiantes no quieren saber ni siquiera acordes, no quieren hacer nada hecho antes porque no quieren ser imitadores, lo que demuestra su ingenuidad, pues intentan pasar por la tangente los problemas fundamentales de la música. Para Evans se deben enseñar los principios que son independientes del estilo y piensa que solo es posible si un artista se forma a sí mismo. Debe seleccionar y descartar de acuerdo a su particular modo de manejar los materiales y encontrar sus propios modos de hacer, descubrir las cosas por sí mismo, si les das demasiado les quitas motivación, dice, ellos deben sentir que descubren algo.
“No quiero privarte del placer de encontrar las cosas por ti mismo, por lo que no voy a enseñarte nada.” Le dijo a su hermano Henry cuando le pedía que le enseñara una técnica de cambios armónicos.


Muy recomendable

8 ene 2016

Elena Asins "In memorian"

Elena Asins nos dejó este diciembre pasado, pionera del arte conceptual en España y del arte realizado por ordenador, le interesaron las relaciones de las artes visuales con el orden de las matemáticas y la música...

Texto de la Exposición en el MNCARS Fragmentos de la memoria

Elena Asins (Madrid, 1940) reúne la tradición constructiva de la vanguardia del siglo XX con la computación y la teoría de la información de la década de los sesenta, siendo considerada una de las pioneras del arte asistido por ordenador en España. Ligada a algunos de los proyectos más renovadores de la historia reciente del arte español, como la Cooperativa de Producción Artística y Artesana o el Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid, Asins ha recurrido en sus trabajos a un amplio abanico de formatos y medios (desde la poesía concreta al vídeo, pasando por el dibujo, la escultura o la instalación), caracterizados siempre el rigor compositivo y la depuración formal.
Esta exposición demuestra cómo su producción artística hace visibles una de las certidumbres más obsesionantes del campo de las matemáticas: la teoría de Rampsey, según la cual en el universo el desorden completo es una imposibilidad fehaciente. Asins plantea de forma similar la dimensión semiótica, que estudió en la Universidad de Columbia con Noam Chomsky, en la que, partiendo de un planteamiento neocartesiano sobre la gramática universal, restringe la variabilidad lingüística al uso de conceptos globales. Sus obras pueden entenderse como metáforas visuales que contienen siempre aquello que no es inteligible y que permanece como paréntesis o silencio en la teoría estructuralista.
Contemplados bajo la lógica/no-lógica de las aporías como modelos de pensamiento, los hallazgos plásticos de Asins aúnan intereses dispares en apariencia: música e historiografía en sus Cuartetos Prusianos (1979-1981), filosofía y religión en Shalom Elechen [Shalom Aleichem] / The Enigma 3 (La paz sea contigo / Enigma 3) (1987), Ludwig Wittgestein / Zettel (Ludwig Wittgestein / Nota) (1986), One Possibility of Metanoia 5 (Una posibilidad de cambio 5) (ca. 1985-86), y el neoplasticismo de Mondrian conjuntado con la estética de Max Bense y la poesía concreta en Paradigma [Paradigm] for Scale (Paradigma para Scale) (1982 - 1983).
En este sentido, y a propósito de su relación con la danza, la artista recoge en unos versos de 1978 el vacío detrás de todo sentido de orden: no hay abajo ni arriba / atrás, adelante / a un lado / hacia todos lados, hacia cualquier lado / hacia cualquier lado porque todo es lo mismo / por eso ellas danzan incesantemente / no hay abajo ni arriba.


Elena Asins, Sin título, 1966. 
Tinta blanca sobre cartulina negra, 50 x 40 cm.





Elena Asins, La rotación del menhir, 
Serigrafia, 1999



Elena Asins, Menhires unidos.


Elena Asins, Dolmen 8 unidades


"Ahora bien, cuando miramos y no vemos, es precisamente porque no ejercitamos las facultades necesarias, como el procesamiento de información, almacenamiento y registro, es decir, cuando subestimamos lo que vemos y no establecemos relación alguna entre visión y conciencia. Sin introspección consciente no existe concepto."



30 dic 2015

Ciudad compleja, Bill Viola - Anthem (1983)

Bill Viola - Anthem (1983/11:42)



La obra de arte como ficción. Toda obra de arte es una ficción propia, crea unas relaciones contradictorias con fragmentos de la realidad que la dotan de otro sentido. Viola nos invita a pensar por nosotros mismos, las diferentes escenas forman un collage ambiguo, por un lado la ciudad como gran máquina capaz de destruir el entorno, por otro, las máquinas no solo contaminan, también salvan vidas. Pero hay mucho más. El grito de la niña deformado por la lentitud, lo atávico, el miedo, la ignorancia, como espacio sonoro independiente. Espacio alusivo y elusivo a instancias y evocaciones que no están allí, que son creadas por nuestra imaginación... Magnífico ejemplo de como se crea un proyecto, de como se tantea con una idea difusa, a través de series de imágenes, que transportan diferentes estados emocionales.